Cómo se construyen los Acordes

Una de las características fundamentales de la guitarra es que es un instrumento polifónico. Recordemos que el término polifónico es el antónimo de monofónico y hace referencia a la capacidad de poder emitir más de un sonido simultáneamente, pudiendo por lo tanto hacerse cargo de una obra con varías melodías que interaccionan entre sí o con una melodía acompañada por una base armónica, constituida ésta por progresiones de acordes.

El origen de la Armonía está precisamente en el Acorde, del que observa y sistematiza posteriormente todos los aspectos que le conciernen: formación, diversificación, en virtud de la cual se originan deferentes tipos de acordes, evolución, clasificación e interrelación entre acordes.
Pero veamos qué es un acorde. Podríamos decir que un acorde es una entidad sonora y orgánica que se forma a partir de una nota generadora, identificada como “Fundamental” o “Nota raíz” (“Root”, en Inglés), a la que se suman dos intervalos consecutivos de 3ª.

Tomando como “Fundamental” la nota de Do en su tonalidad, esto nos da como resultado la siguiente agrupación de notas:
- Do, que se identifica, tal y como se dijo, con el nombre de “Fundamental”.
- Mi, que se identifica con el nombre de “Tercera”, por formar un intervalo de 3ª con la Fundamental y que, como veremos más adelante, podrá ser Mayor o menor.
- Sol, que se identifica con el nombre de “Quinta”, por formar un intervalo de 5ª con la Fundamental y que, como veremos más adelante, podrá ser Justa, Disminuida o Aumentada.

Esta es la estructura más básica de acorde y recibe el nombre de “Triada”, por estar constituida por tres notas, o de acorde de 5ª, por ser este su límite interválico.

Hay cuatro tipos de Tríadas o Acordes de 5ª:

- Acorde Perfecto Mayor: Fundamental + 3ª Mayor + 5ª Justa.

- Acorde Perfecto menor: Fundamental + 3ª menor + 5ª Justa.


- Acorde de 5ª Disminuida: Fundamental + 3ª menor + 5ª disminuida.

- Acorde de 5ª Aumentada: Fundamental + 3ª Mayor + 5ª aumentada.


Por último, conviene hacer aquí la aclaración de que todas las notas que constituyen un acorde son duplicables en diferentes grados. La primera duplicación, por ser la más adecuada y fortalecer la identidad del propio acorde es la de “Fundamental”. La siguiente duplicación más aconsejable es la de la “Tercera”, siendo la duplicación de la “Quinta” la menos aconsejable, sobre todo cuando no es Justa.

Próxima entrada: “Patrones de acorde básicos para aplicar a todo lo largo del diapasón"

 

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LOS "RIFFS" EN LA GUITARRA

Hoy vamos a ver unos cuantos consejos que te pueden ayudar a la hora de escribir riffs.

¿Qué es un riff?

¡Buena pregunta! Para responderla, echaré mano de la Wikipedia:
“Un riff o fraseo es una frase musical, una figura musical, progresión de acordes o melodía que se repite durante el transcurso de una canción, especialmente en el rock, metal, funk o jazz.”
Como ves, no tiene una definición muy exacta que digamos, pero lo que está claro es que al oír una canción se sabe perfectamente qué es un riff.

Consejos para escribir riffs

Vamos ahora con unos cuantos consejos que te ayudarán a encontrar el riff que estás buscando:

• Busca inspiración: Si no tienes nada sobre lo que empezar, es una buena idea escuchar tus canciones favoritas y fijarte en la idea general de algún riff. Ahora coge la guitarra e imitalo. Puedes usar el mismo tempo, un ritmo parecido, la misma escala, empezando en la misma nota, etc. No se trata de copiar, se trata de tener algo sobre lo que desarrollar una idea. A partir de ahí puedes empezar a hacer pruebas, variaciones, etc, y ya habrás conseguido tener al menos un riff sencillo sobre el que trabajar.
• Guarda todo lo que escribas: Por muy malo que te parezca un riff, grábalo, porque más adelante te puede sacar de un apuro (lo digo por experiencia, hay riffs que he usado un año después de grabarlos). A lo mejor, un tiempo después de escribir ese riff tan “malo”, se te ocurre una idea y a partir de él sacas uno de tus mejores riffs
• Usa notas al aire: Usar notas al aire (en las tablaturas, un 0) puede ayudarte a la hora de hacer riffs. En algunos estilos es muy normal usarlas (escucha el “Master of puppets” de Metallica por ejemplo), pero en otros estilos no tanto. Por eso, dependiendo del estilo de música que toques te ayudarán en mayor o menor medida, pero no pierdes nada probando
• No te encadenes a la teoría: La teoría es una herramienta, no una ley inquebrantable. No tengas miedo a poner “acordes que no existen” (que existen, lo que pasa es que no los conoces), o hacer cosas que consideres incorrectas. Lo que importa es el resultado final.
• Improvisa: Otra buena forma de sacar riffs es improvisar sin tener ninguna idea en concreto. No esperes que todos los riffs que te salgan sean impresionantes, pero al cabo de estar un rato improvisando deberías tener un par de ideas decentes.
• Cambia el tempo: Prueba a cambiar el tempo de tus riffs. A veces, un riff tocado a unos cuantos bpm más o menos que con los que lo escribiste puede tener un carácter muy distinto.
• Sobre todo, ten paciencia: No tengas prisa. Hay veces que, simplemente, no es un buen día para ponerse a tocar, pero no te desesperes y vuelve a intentarlo el día siguiente.

Bien, espero que esto te ayude a sacar algún riff o a seguir alguno que tengas olvidado. Si tienes alguno que quieres enseñar, ¿por qué no pones un enlace en los comentarios?

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Consejos sencillos para mejorar el sonido de tu guitarra sea Española, Acústica o Eléctrica

Hay algunas cosas que puedes hacer a tu guitarra para que suene mejor. Todas estas “mejoras” son fáciles de hacer y vale la pena echarles un rato:

1. Si tu guitarra tiene una tapa en la parte trasera, quítasela. Es increíble lo que puede mejorar el sonido de una guitarra con este simple paso.
2. Vigila todos los tornillos de tu guitarra, deben estar bien apretados para conseguir un buen sonido. Los más importantes son los del mástil, el puente y las clavijas. Revísalos regularmente.
3. Si tu guitarra tiene puente flotante o semiflotante y no lo usas, puedes bloquearlo usando un trozo de madera. El sustain y el tono mejorarán drásticamente.
4. Apantalla tu guitarra.
5. Deja que tu guitarra respire: para ello deberías quitar la pintura de cualquier parte que no se vea, como por ejemplo debajo del golpeador, en las cavidades de las pastillas, etc.
6. Comprueba el cableado de tu guitarra, muchas veces encontrarás cables de baja calidad. Lo mejor es comprar cables de buena calidad y recablear toda la electrónica.
7. Limpia la unión entre el mástil el cuerpo.
8. Cambia las cuerdas de tu guitarra y pon unas de nickel. Cambia la cejuela de plástico que venía de fábrica y ponle una de hueso.
9. Usa cables buenos. Si puedes comprarte un cable apantallado notarás mucha diferencia

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Consejos para Cantar y Tocar a la misma vez

Os doy humildemente consejos para tocar y cantar a la vez, he estado buscando y he reunido algunos consejos que os ayudarán a empezar:

• Intenta andar por tu casa mientras tocas.
• Intenta contar las negras o las corcheas (o incluso más, si puedes) mientras tocas.
• Cuando seas capaz de hacerlo perfectamente, intenta tocar mientras ves la tele o hablas con alguien, fijándote en la tele o en la conversación, no en la guitarra.
• No empieces a cantar siempre en el mismo sitio, intenta entrar por ejemplo, en mitad de una estrofa, etc. De esta forma conseguirás una mayor independencia entre la voz y la guitarra.
• Concéntrate en la púa, a veces no es fácil marcar el ritmo de la voz y el de la púa a la vez, sobre todo cuando son muy distintos.
• Al principio, simplifica la guitarra. Por ejemplo, en vez de hacer un ritmo con un mismo acorde, déjalo sonar.
• No esperes tocar igual de bien que cuando sólo estás cantando, ni tocar igual de bien que cuando sólo estás tocando.
• Si no puedes hacer maravillas con la guitarra mientras cantas, intenta que otros miembros del grupo rellenen ese hueco en vez de forzarte a tocar cosas que te van a impedir cantar bien.
• Usa el metrónomo cuando hagas cualquiera de lo anterior

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Canciones para trabajar Técnica en Guitarra Eléctrica

 Os pongo una lista con canciones para trabajar técnica.Me ha parecido buena idea así que os propongo hacer una nueva lista entre todos.
Os agradecería que cuando queráis añadir una canción dejéis un comentario diciendo la canción, dentro de que técnica se agruparía y en qué posición la pondríais (en función de su dificultad). Por ejemplo, si quisieseis aañadir una canción en la que se use mucho el slide, me tendríais que comentar algo así: “Añade XXXXXX (del grupo YYYYYY) dentro de uso del slide después de Scar tissue”. De esta forma tendremos una lista en la que aparte de poder trabajar las distintas técnicas, sabremos cuales son más fáciles y cuales más difíciles dentro de cada grupo. Lógicamente, habrá gente a la que una canción le parezca más difícil que a quien la envía, pero eso es inevitable y el objetivo es tener un orden aproximado, no exacto.
He dejado las canciones que he propuesto, ahora hay que ir añadiendo más... 
Alternate/Economy Picking
•Megadeth – Take no prisoners
•Slayer — Angel of death
•Metallica – Fight fire with fire
•Yngwie Malmsteen- Far Beyond the Sun
String Skipping
•Red Hot Chili Peppers – Soul to squeeze
•Guns and roses – Sweet child o Mine
•Racer X – Scarified
Sweep Picking
•Scar Symmetry – A Parenthesis in Ethernity
•John Petrucci – Glasgow kiss
•Alejandro Silva – El lagarto
•Jason Becker – Altitudes
•Vital Remain – Dechristianize
Sweep Tapping
Hybrid Picking
•Extreme – More than words
Tapping
•Joe Satriani – Always with me, always with you
•Andy Timmons – Electric Gypsy
•Van Halen – Hot for teacher
•Van Halen-Eruption
Tapping a 8 dedos
•Joe Satriani – Midnight
Ligados
•AC/DC – Thunderstruck
•Iron Maiden – Aces high
•Joe Satriani – Satch boogie
Acordes
•Extreme – More than words
•J.S.Bach – Prelude in C Major
•Red hot chilli peppers – Under the bridge
•Eric Johnson – Manhattan
•Eric Clapton – Tears in heaven
•Pink Floyd – Wish you were here
Uso de Slide
•Lynyrd Skynyrd – Free Bird
•Red hot chilly peppers — Scar Tissue
•Guns and roses — Bad obsession
Palm mute
•Megadeth – Symphony of destruction
•Metallica – Master of puppets
•Metallica – Damage Inc.
•Metallica – Dyer’s eve.
Bendings
•Iron Maiden – Aces high
•Guns N’ Roses – November rain
•Freddie King – Have You Ever Loved A Woman
•Pink Floyd – Another brick in the wall
Armónicos
•Joe satriani – Surfing with the alien
•Joe Satriani – Summer song
Notas Pedal
•Ozzy Osbourne – Crazy traing
•Guns and roses – Sweet child o’ mine
•AC/DC – Thunderstruck
•Bach –  Sonata Partita nº 3

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LAS ESCALAS MAYORES Y MENORES

LAS ESCALAS EN EL MÁSTIL DE LA GUITARRA
Bien, basta de teoría por ahora. Veamos una de las grandes ventajas que tiene la guitarra sobre otros instrumentos como el piano: los patrones de escalas en el mástil, es decir la colocación de la mano izquierda para tocar las notas de las escalas.

Para ello empezaremos viendo que TODAS las escalas mayores se generan mediante el mismo procedimiento de sumar tonos y semitonos, nos encontramos con que el patrón en el mástil es el mismo para todas las escalas. Alegrémonos de ser guitarristas porque los pianistas y otros muchos músicos lo tienen mucho más complicado al tener que calcular posiciones e intervalos.
Cada patrón busca tocar “en posición”, es decir asignando a cada dedo de la mano izquierda un traste (dos como mucho) y ese dedo sólo va a pisar cuerdas de ese traste. La mano queda relativamente estática en una zona del mástil, lo que facilita la digitación. Esto quiere decir que dividimos la longitud total del mástil en varios tramos, en varios patrones de la escala.

- La escala mayor en el mástil
Para ver esto usaremos la escala mayor de A por su cómoda ubicación en el mástil. Está compuesta por las notas A, B, C#, D, E, F# y G# (recordemos que ahora hablamos de la escala MAYOR de A(LAM)). Veamos el primer patrón de la escala de A mayor:

A mayor – Patrón
las notas correspondientes a la escala mayor de A en los trastes 1 a 5, y el patrón se corresponde con el primero de la escala.
En otros tutoriales y webs he visto que el patrón 1 es ligeramente distinto, lo cual no importa siempre que usemos uno que nos sea cómodo. Del mismo modo, he visto esquemas de patrones donde se muestran más notas (por ejemplo, algunos muestran en el patrón 1 todas las notas del traste 5), que a mi no me gusta incluir porque están en el patrón siguiente, es decir no me gusta repetir más notas de las necesarias en los patrones.


D mayor (REM)– Patrón 1
Como vemos, ambos patrones son idénticos, con la diferencia de que se encuentran desplazados en el mástil.
Volviendo al patrón de A mayor, en esta posición el dedo índice se encarga de pisar todas las notas del traste 2, el corazón las del traste 3, el anular las del 4 y el meñique las del 5. En el caso de la tercera cuerda, todos los dedos descienden un traste (hacia el clavijero).
Es importante que nos fijemos bien dónde se ubica la tónica (A) en el patrón: 5º traste de la cuerda 6, 2º traste de la cuerda 3 y 5º traste de la cuerda 1. Recordemos que estos patrones son idénticos para cualquier escala, con lo que en el primer patrón la tónica siempre está en esa posición, por lo que una vez memorizados tenemos a nuestra disposición TODAS las escalas en todos sus grados (en la escala mayor de D, la tónica está en el traste 10 de la sexta cuerda, que igualmente se pisa con el meñique en el patrón correspondiente).
A lo largo del mástil tenemos otras 4 posiciones.

A mayor(LAM) – Patrón 2
 el patrón 3. En este, los dedos se colocan en los trastes 7 a 10, y en las cuerdas tercera y cuarta descienden un traste para colocarse en los trastes 6 a 9 (clic para ampliar).


A mayor – Patrón 5
En el patrón 5 los dedos se colocan en los trastes 11 a 14 y en las cuerdas primera y segunda ascienden un traste. Personalmente, pienso que en este patrón no es recomendable pisar el traste 16 con el meñique, ya que pertenece al siguiente patrón, y es un movimiento poco fluido dentro del esquema, pero eso depende de cada uno.
La siguiente posición (patrón 6) corresponde a los trastes 13 a 17 y es idéntica al patrón 1, ya que a partir del traste 12 equivale a empezar en el traste 0. Por tanto, a partir del traste 12 los patrones de las escalas se repiten.
Veamos un poco más detenidamente cómo usar los patrones. En la escala mayor, el patrón 1 lo localizamos colocando el meñique de la mano izquierda en la tónica de la 6ª o 1ª cuerda y el resto de los dedos en trastes contiguos hacia la izquierda. En el caso del patrón 1 de la escala de A, la tónica está en el traste 5 y en el caso de D, en el 10. Por tanto, colocando el meñique en esos trastes y ubicando el resto de dedos en trastes contiguos obtenemos el patrón.

- La escala menor en el mástil
Relación entre una escala mayor y su relativa menor.
Veremos de nuevo cómo se simplifica todo partiendo de las escalas mayores. Siguiendo con la escala de A, veamos ahora la menor, que tiene por notas A, B, C, D, E, F y G, como sabemos, las mismas notas que la escala mayor de C (DOM)

Escala menor de A y patrón 1
Habíamos visto que para toda escala mayor existe una escala relativa menor, que es la que tiene como primer grado el sexto grado de la mayor, y que por tanto la escala menor de A, Am, era la relativa menor de la escala mayor de C.(DOM)

Escala mayor de C y patrón 1
Efectivamente, son la misma disposición. Aquí de nuevo se nos simplifican las cosas. Una escala mayor y su relativa menor comparten la disposición de notas a lo largo de todo el mástil y por tanto los patrones son iguales y se ubican en los mismos trastes. La diferencia entre ellas es dónde empieza y dónde termina cada una. Una escala empieza en su tónica, y por tanto aunque sea el mismo patrón, la escala mayor de C empieza en el traste 8 de la sexta cuerda y la menor de A en el 5, o dicho de otra forma, refiriéndonos al patrón 1, la escala mayor comienza en el meñique y su relativa menor en el índice.
Veamos ahora la relación entre una escala mayor y la misma escala menor, con las escalas A y Am.
Si recordamos la escala mayor de A, veíamos que el patrón se localizaba colocando el meñique en el traste 5; sabemos que la escala menor de A y la mayor de C son la misma, y que esta última se localiza colocando el meñique en el traste 8, así que podemos pasar de una escala mayor a la correspondiente menor simplemente desplazando el patrón 3 trastes hacia  la derecha.

Escala mayor de A. Tónica (A) en el meñique, traste 5 de la sexta cuerda

Escala menor de A, idéntica disposición que la escala mayor de C. Tónica (A) en el índice, traste 5 de la sexta cuerda
Lo único que hemos hecho es desplazar el patrón (la mano) 3 trastes hacia la derecha de modo que “pivotamos” alrededor de la tónica en sexta cuerda, que siempre es la misma, pisándola con meñique o índice según sea escala mayor o menor, y con ello hemos pasado de la escala mayor de A a la menor de A. Los siguientes patrones son idénticos a los de la escala mayor, con lo que no tenemos nada nuevo que aprender.
Practicar las escalas y sus patrones hasta que nos las sepamos de memoria es un gran ejercicio que nos permitirá, además de ganar soltura y velocidad, conocer mejor el mástil de nuestra guitarra, y nos va a dotar de unas herramientas impagables para movernos por la escala con agilidad y para improvisar o componer.

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Trucos y Consejos para tocar relajado y evitar tensiones

Hola, os dejo estas lineas escritas para que veáis mi experiencia a la hora de tocar la guitarra....
Categorías: Trucos y consejos
Eliminar tensiones
Una de las cosas que más dificultan progresar con la guitarra es sin duda, la aparición de tensiones musculares. Si en lugar de tocar con tensión tienes una sensación de “ligereza” al tocar, seguro que todo te resulta más fácil, ya que tus dedos responden perfectamente a lo que quieres. Lo malo es que no es fácil darse cuenta de cuando estás tocando con tensión. Puedes estar meses y meses tocando con tensión o en una posición incorrecta, pero no te darás cuenta hasta que alguien te lo diga.
La razón de esto es que nos acostumbramos rápidamente a cualquier cosa que sentimos, y con el tiempo la consideramos normal. Nunca nos fijamos en las tensiones que sentimos cuando aprendemos técnicas nuevas, y de hecho, las consideramos parte de este aprendizaje. Si, a veces es normal que aparezcan, ya que los músculos deben “desarrollarse”, pero no tienen por que quedarse. Podemos aprender a hacer estos movimientos con menos esfuerzo.
¿Como podemos evitar la aparición de tensiones? (o reducirlas si ya han aparecido)
Seguro que has visto vídeos en los que un guitarrista que hace que el solo más difícil que puedas imaginar parezca facilísimo. No es que lo parezca, es que para él (o ella) lo es. Incluso puede que practiques ese mismo solo durante meses y aún así no consigas tocarlo sin que sea una tortura, tanto por que se te “agarrote” la mano como por lo frustrado que te sentirás. Entonces, ¿por qué ellos si pueden y tú no?
La respuesta es muy sencilla, es porque ellos practican de una forma correcta, y consiguen tocar con las manos totalmente relajadas, y esto les permite un mejor control de sus movimientos. Llegar a esto requiere tiempo y esfuerzo. Esto es algo que hay que tener muy claro, NADIE puede ser un superguitarrista y tocar a la velocidad del sonido si antes no ha pasado horas y horas tocando muy muy despacio, centrándose en tocar bien y totalmente relajado en lugar de tocar deprisa. Todos los que intentamos enseñar algo de guitarra insistimos constantemente en esto, y sabemos que es muy aburrido a veces tocar despacio, pero créeme, es la base para poder tocar como Yngwie J. Malmsteen, Steve Vai, Joe Satriani, etc…
Para ver si estás del todo relajado, vamos a hacer un pequeño “experimento”:
Coge la guitarra, y ponte cómodo. Coge la guitarra de forma que tu dedo índice esté más o menos a la altura del traste 9. Pero no pulses normalmente, deja que solamente actúe el peso del dedo, no hagas ninguna fuerza. Después haz lo mismo con el dedo corazón (en el traste 10), y con los otros dos dedos. Fíjate en la distancia entre el diapasón y la cuerda, y asegúrate de que la cuerda no toque en ningún momento la madera.
Ahora levanta uno de los dedos un par de centímetros y vuelve a pulsar la cuerda con el peso del dedo, repite esto varias veces con todos los dedos (esto se llama “finger flapping”). Fíjate bien en la sensación de relajación que tienes en los dedos.
Toca una nota ejerciendo la misma presión que antes. Si suena mal es que haces muy poca fuerza, aprieta un poco más, si no ¡perfecto! esa es la fuerza que debes hacer para tocar. Seguramente era menos de la que hacías antes, ¿verdad?
Puede parecer algo insignificante, pero si intentas tocar así de relajado (sin hacer más fuerza de la necesaria) verás como tocas mejor y con mayor facilidad.
Debes hacer este ejercicio de vez, en cuando, no importa el tiempo que lleves tocando, te vendrá bien hoy, mañana, dentro de 2 años, etc. Este ejercicio te hará darte cuenta de si estás tocando relajado o estás tensando tus músculos más de lo necesario.
Debes tener en cuenta que te costará aplicarlo a muchas de las cosas que tocas ahora, pero debes tener paciencia, porque los beneficios son enormes.
Ahora que sabemos como tocar con los músculos más relajados, veamos por qué lo están. Es como andar y correr. ¿Puede un niño pequeño correr? No, primero tiene que empezar a andar, mantenerse equilibrado, poner un pie después de otro y esas cosas que son tan enormemente fáciles cuando crecemos. Si un niño que está aprendiendo a andar intenta correr, lo más seguro es que acabe en el suelo. Piensa que tocar despacio es andar, que tocar más rápido es correr y que crecer es practicar. Un niño no está corriendo por ahí a los dos dias de empezar a andar, necesita tiempo y práctica. Un guitarrista necesita lo mismo, tiempo y horas de práctica con un metrónomo.
Un último consejo. Cuando practiques buscando menor tensión, atiende, fíjate en lo que estás haciendo y en lo que sientes, no repitas una y otra vez lo mismo porque si.
Así que ya sabes, intenta tener esto en cuenta siempre que practiques y con el tiempo notarás mucha mejoría.
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Historia y Definición de la Guitarra

“DEFINICIONES”

La guitarra se compone de una caja de resonancia, cuya tapa superior, llamada tapa armónica, tiene en la parte alta un círculo llamado boca o tarraja, por donde el sonido se expande. En la parte inferior se haya el puente, al que van sujetas las cuerdas. Y apoyadas en una tira de nácar o marfil, inserta en él, se extienden a través del mástil o mango, que parte de la caja, y va cubierto por una placa de ébano, llamada sobrepunto. Sobre él van incrustadas 19 varillas de metal, que forman el diapasón. Los espacios formados por estas varillas se llaman trastes..En el límite que separa el diapasón de la cabeza donde están las clavijas, otra tira de marfil, con seis ranuras, llamada cejuela, ofrece el otro punto de apoyo a las cuerdas.

“HISTORIA”

La guitarra es un instrumento musical de cuerdas que son pulsadas con los dedos, antiguamente las cuerdas eran de tripa y hoy en día son de nylon, tiene una caja de resonancia con la parte posterior plana y suaves curvaturas que le dan un donaire especial, en contraste con los miembros de la familia del laúd, que se caracterizan por su fondo convexo. Su construcción es de primordial importancia para poder asignar a la guitarra su verdadero origen y posición en la historia de los instrumentos musicales, un sitial intermedio entre la cithara y el violín. Los instrumentos medievales de cuerdas con mástil se dividen en dos clases, caracterizados principalmente por la forma y construcción de la caja de resonancia:

    I.                   Aquellos instrumentos que como su arquetipo, la cithara, tienen una caja compuesta por un fondo plano o ligeramente arqueado y una tapa armónica sujeta por una especie de costillas denominadas varetas, barras de refuerzo de madera.

    II.        Los instrumentos, que como la lira, tienen una caja que consiste de un fondo convexo sobre el cual se apoya la tapa armónica sin ningún tipo de costillas de madera. Este método de construcción difundido entre los instrumentos orientales es musicalmente inferior al primero.

La prueba más evidente de esta inferioridad se sustenta en el hecho que los instrumentos con fondo bombeado, como el rebab o rebec , a pesar de haber estado difundidos en la Edad Media por todo el continente europeo con diferentes formas y tipos, han mostrado poco o ningún desarrollo en el curso de los 12 siglos venideros, apagándose y alejándose uno a uno de la práctica musical sin quedar un sólo sobreviviente. La guitarra pertenece a la primera de estas clases.

El fondo y las varetas de la guitarra, que usualmente son siete dispuestas en forma de abanico, son de arce o palo santo de la India o de Río, frecuentemente embutidos con Palo de Rosa, mientras que la tapa puede ser de pino, abeto, cedro o incluso ciprés. La tapa armónica se halla perforada en la parte intermedia por un agujero llamado boca o tarraja. El puente situado en la parte inferior de la tapa, es donde va encordada la guitarra en ese extremo, suele ser de ébano o palo santo y soporta una cejuela de marfil, hueso o plástico que sirve de apoyo a las cuerdas para que vibren, mientras la cejuela al final del diapasón determina el otro apoyo. El mástil y el diapasón se fabrican con maderas muy duras, como ébano, palo santo o cedro. El clavijero se dispone con un pequeño ángulo de inclinación con respecto al mástil, contiene clavijeros mecánicos de metal; éstos contienen dos cortes verticales que reciben pequeñas piezas de marfil o hueso para enrollar las cuerdas y afinar el instrumento. El diapasón posee pequeñas barras de metal de alpaca o latón, denominadas trastes y que tienen el propósito de posicionar correctamente los intervalos de cada nota. La guitarra moderna posee 6 cuerdas, las 3 primeras de nylon y otras 3 de filamentos de seda entorchadas con hilos de plata o cobre. La afinación de estas cuerdas es E⁰, A⁰, d⁰, g⁰, b⁰, e¹. La notación en el pentagrama es una octava más alta, es decir: e⁰, a⁰, d¹, g¹, b¹, e².

La guitarra moderna se toca siempre con los dedos. Las cuerdas superiores o bajos son pulsadas con el pulgar, mientras que las cuerdas de nylon se pulsan con el índice, medio y anular, dejando al meñique retraído en la mano – técnica moderna – ya que antiguamente se lo apoyaba en la tapa armónica. Se presume que la sexta cuerda o última cuerda fue añadida al instrumento en 1790 por Jacob Otto de Jena, quien fue el primero en construir guitarras en Alemania después de su introducción desde Italia en 1788, por la duquesa Amalia de Weimar. Según Otto, fue el Kapellmeister Naumann de Dresden quien le solicitó le fabricara una guitarra de seis cuerdas, de acuerdo a como se practicaba en Italia. El alemán añadió el último Mi, una cuerda entorchada. La guitarra original traída desde Italia por la duquesa Amalia tenía cinco cuerdas, siendo sólo la quinta cuerda entorchada. Otto también cubrió la cuarta cuerda de metal, obteniendo de tal modo un sonido más brillante. Sin embargo, en España ya existían guitarras y vihuelas de seis cuerdas en el siglo XVI; Juan Bermudo y otros ya describieron estos instrumentos. La última cuerda solía estar afinada en Sol. Otras guitarras españolas de la misma época tenían cuatro, cinco, e incluso siete órdenes – o pares de cuerdas – al unísono. Estos instrumentos eran siempre tañidos con los dedos.

La Guitarra como descendiente de la Cíthara  
La guitarra se desarrollo a partir de la cithara, tanto estructural como etimológicamente. Frecuentemente se sostiene que los árabes fueron los que introdujeron la guitarra a España con las invasiones de los Moros. Sin embargo, no existe ninguna documentación específica y existen muchas dudas con respecto a esta postura. No existen indicios entre los instrumentos árabes de uno igual o similar a la guitarra en construcción y forma, aunque los antiguos egipcios conocían una guitarra con lados suaves y curvos

(Instrumento egipcio, 1700 a 1200 años a.d.C.).

Existe también evidencias, y este es un claro ejemplo, de una guitarra con lados suaves y curvos, varetas y un mástil largo provisto de varios trastes, encontrada en un bajorrelieve de los Hititas en la colina de Euyuk (año 1000 a.C.) en Cappadocia, Siria (esta región hoy en día se conoce como Asia Menor). A menos que otros monumentos de menor antigüedad salgan a la luz con evidencias de guitarras con suaves curvaturas y soportes de madera en la tapa armónica, se puede sustentar que el instrumento, que requería de cierto grado de destreza en su construcción, murió en Egipto y Asia antes de la aparición de la Grecia Clásica, de tal manera este instrumento tuvo que evolucionar necesariamente de uno nuevo como la cíthara de los griegos en Asia Menor. Que la evolución haya ocurrido durante el Imperio Bizantino o en Siria es razonable y se adecua a las tradiciones de los griegos y su devoción hacia la cíthara, lo cual los llevó a adaptar el mástil y hacer nuevas mejoras al instrumento, en vez de adoptar el rebab, el tanbur o el barbiton de los persas y árabes. De hecho, parece que esto es lo que ha acontecido en realidad. No obstante, en el siglo XIV, en una enumeración de instrumentos musicales realizada por el Archipreste de Hita, una guitarra morisca es mencionada y desfavorable a nuestro supuesto se la compara con la guitarra latina; pero, los árabes de hoy en día siguen tocando un instrumento cuyo nombre es kuitra (que en el Norte de África sería guithara), pero tiene un fondo bombeado, su caja tiene la forma de media pera y con un mástil bastante largo; las cuerdas son tocadas por púas o plectros. El instrumento árabe por lo tanto, pertenece a otra familia, y admitirlo como el ancestro de la guitarra española sería una  hipótesis tan engañosa como aquella que asevera que la guitarra deriva del hipótesis tan engañosa como aquella que asevera que la guitarra deriva del laúd.

(Laúd de 8 cuerdas)

La palabra guitarra puede ser una modificación de la palabra griega k i q a r a (kithara). La diferencia en la construcción de la guitarra y la cíthara no es tan sustancial como podría parecer a primera vista. Los dos pertenecen a la familia de instrumentos de cuerda pulsada que se distinguen por una caja de resonancia con fondo plano. La cíthara tiene sus cuerdas soportadas por un marco y la guitarra por el puente. Sin embargo, esta diferencia a la vista conspicua, no es de importancia acústica. Es posible, de hecho, que la guitarra sea un descendiente distante pero directo de la cíthara en su última forma romana. Durante la época del oscurantismo la lira clásica, en virtud de su fondo bombeado tenía afinidades con la familia del laúd, pero tendió a declinar en favor de la cíthara y los nombres empezaron a confundirse entre sí. Por ejemplo, es evidente que los primeros instrumentos medievales que eran descendientes de la cíthara posclásica, como las varias formas de la chrotta o rota, frecuentemente fueron descritas por el nombre de lira. La lira durante el renacimiento aparentemente era un instrumento muy diferente, pero en realidad no era otra casa que la lira medieval sin marco y con cuerdas que eran soportadas sólo por el mástil. La hipótesis que la cíthara y la guitarra estén vinculadas por el mismo curso de evolución es en cierta magnitud apoyada por evidencia terminológica. Siempre se realizó una distinción entre la guitarra latina y la guitarra morisca o sarracena. A la primera se referían los instrumentos construidos con caja de resonancia plana como la guitarra y su pariente bastante cercano, la vihuela; mientras que la guitarra morisca fue siempre referida a los instrumentos de fondo cóncavo, común a la familia del laúd.

(Guitarra Morisca)

Con estas consideraciones se puede concluir que la guitarra es el descendiente en suelo europeo de un instrumento romano, es decir la cíthara que además tiene un nombre con una afinidad etimológica importante y que fue llevada a España por los romanos aproximadamente en el año 400 d.C.; teniendo en cuenta que el laúd siempre ha sido considerado por consentimiento común, un instrumento Oriental transferido a la Europa Medieval por la civilización pérsico-árabe durante la ocupación de los Moros en España en el siglo VIII.
Recopilando varios indicios que nos han legado diferentes escritores españoles, obtenemos una pista a la identidad de los instrumentos medievales que, en ausencia de una prueba absoluta, se pueden tomar en bastante consideración. De los escritos del español Juan Bermudo, citado anteriormente, aprendemos que la guitarra y la vihuela de mano eran prácticamente idénticas, difiriendo sólo en su afinación y de vez en cuando en el número de cuerdas. Se conocían tres tipos de vihuelas en la España de la Edad Media, distinguidas como vihuela da arco, vihuela da mano y vihuela da penola. Estudiosos españoles que han cuestionado este estado de identidad entre la guitarra y la vihuela manifiestan que la guitarra latina fue posteriormente conocida como vihuela de mano, una declaración totalmente apoyada por otra evidencia. Como la kuitra árabe se tocaba con una púa, no nos alejaríamos de la realidad identificándola con la vihuela de pénola. La palabra vihuela o vigola está íntimamente ligada a la palabra latina fidicula o fides, un instrumento de cuerdas mencionado por Cicero, que era construido con la madera de cierto árbol semejante a un plátano silvestre y que poseía además varias cuerdas. Otra señal en esta cadena de identificación nos proporciona San Isidoro, obispo de Sevilla en el siglo VII, quien sostiene que fidicula es otra designación para citara, "Veteres aut citharas fidicula vel fidice nominaverunt". La fidicula era por consiguiente la citara, ya sea en su forma clásica original o en una de esas transiciones que la llevó a convertirse en la guitarra. Se explica de esta manera la existencia de un instrumento de mayor supremacía como la guitarra latina en contraste con la guitarra morisca. La guitarra en consecuencia proviene directamente de la cíthara clásica que introdujeron los romanos a España; ese arquetipo de eminente belleza que sirvió de base además para las perfectas proporciones y delicada estructura del violín. En un inventario realizado por Philip van Wilder sobre los instrumentos que pertenecieron a Enrique VIII se encuentra la siguiente cita que aclara nuestra cuestión: "foure gitterons with iiii. cases they are called Spanishe Vialles". Vial o viol era el equivalente inglés de vihuela. Las transiciones donde la cithara adquirió un mástil y se convirtió en una guitarra se representan admirablemente en las miniaturas grabadas en el célebre Salterio Utrecht (Salterio es un libro canónico que contiene salmos), que dio lugar a tantas discusiones. El Salterio Utrecht se ejecutó en la diócesis de Reims en el Siglo IX, y las miniaturas, dibujadas por un artista anglosajón de la escuela de Reims son únicas, e ilustran el Salterio, salmo a salmo. Es evidente que el artista anglosajón dotado de un talento extraordinario y gran imaginación, se inspiró a partir de un antiguo salterio griego ilustrado perteneciente a los cristianos del Oriente, donde la evolución de la guitarra tuvo lugar.

(Salterio)

Una de las representaciones más tempranas de una guitarra se encuentra en Europa Occidental, en un Pasional de Zwifalten, en el año 1180 D.C., que hoy en día está archivado en la Real Biblioteca de Stuttgart. En esta representación se ve a la Santa Virgen de Pelagia sentada en un jumento con una rotta entre sus manos, o una cithara en transición, mientras uno de sus sirvientes que encabeza la caravana sostiene una guitarra. Los dos instrumentos tienen tres cuerdas y las características de una guitarra con bordes de suave curvatura, con la rotta difiriendo al no tener un mástil.

(Pasional de Zwifalten - Virgen de Pelagia)

El matemático Mersenne describe a principios del siglo XVII dos guitarras españolas, una de cuatro y la otra de cinco cuerdas; la primera tenía una cabeza similar a la de una cittern, y la última con la cabeza echada hacia atrás en un ángulo obtuso con respecto al mástil, como en la guitarra moderna. También menciona la tablatura italiana, francesa y española que probablemente ya gozaban de cierta popularidad y estaban en boga en Francia, Italia, así como en España. Mersenne sostiene que las proporciones de la guitarra exigían que la longitud del mango, desde la cejuela hasta la boca debería ser igual a la longitud de la caja desde su extremo inferior hasta el centro de la boca.                                                                              

(Mersenne)                

En el famoso Pórtico de la Gloria, en la Catedral de Santiago de Compostela, donde los peregrinos de la edad media llegaban de toda Europa para venerar al apóstol Santiago, se encuentra una escultura de Santiago y la imagen de Jesucristo que es rodeada por 24 ancianos y todos ellos con instrumentos musicales.

(Pórtico de la Gloria - Santiago de Compostela)

Entre todos estos instrumentos se puede identificar uno que tiene la forma de una guitarra, y se asume que representaría la vihuela original, una antigua viol española. Sus lados son curvos, pero no existe un arco que sea sostenido junto al instrumento; sin embargo, esta no es prueba alguna que se hacía uso del arco desde que el escultor lo pudo haber omitirlo. Una copia de esta obra maestra se encuentra hoy en día en el Museo Victoria y Alberto de Londres. Este pórtico fue construido el año 1188 por el artista Mateo. Cien años más tarde se tienen pruebas que existían varios tipos de vihuelas, y en algunas de ellas con certeza no se usaba el arco para tocarlas.

(Pórtico de la Gloria - Detalle)

En el siglo XIV dos nombres se usaban en España: guitarra latina y guitarra morisca. Estos nombres aparecen varias veces en los poemas del Arcipreste de Hita (1283 ? - 1350) y ya eran conocidos en Francia hacia el año 1349. La guitarra sarracena ya fue mencionada también el año 1300. La obra Tres Libros de Música en Cifras para Vihuela, publicada en Sevilla el año 1546 por Alonso Mudarra, es la primera en incluir composiciones para una guitarra de cuatro órdenes.

(Guitarra de cuatro órdenes)

Miguel de Fuenllana también incluye composiciones para este instrumento en su libro de tablatura Libro de música para Vihuela intitulado Orphenica lyra, publicado en Sevilla en 1554. La guitarra se la denominaba "española" cuando empezó a hacerse de cinco órdenes regularmente.

(Guitarra de cinco órdenes, 1590)

El "inventor" de este instrumento por largo tiempo se creyó que era el español Vicente Espinel (1550-1624), autor de la novela picaresca "La Vida de Marcus Obregon, Esquire", que Le Sage la rescribió convirtiéndola en "Las Aventuras de Gil Blas". Quién se encargó de atribuir esta invención a Espinel fue el dramaturgo Lope de Vega; esta declaración es refutada por Doisi de Velasco (1640) y Gaspar Sanz (1684) en sus tratados sobre la guitarra española. En contra de Espinel está el hecho que, once años antes de su nacimiento, Bermudo que escribe en 1544, menciona una guitarra de cinco órdenes. Espinel, no obstante, si no fue el inventor de la guitarra española de cinco órdenes, ha sido probablemente quien se encargó de hacer de ella un instrumento popular tanto en la clases alta y baja de España.
Para fines del siglo XVI, cuando la música de contrapunto empezó a declinar, la guitarra española comenzó a ganar una mayor aceptación. Y no es que la guitarra era o es incapaz de tocar el efecto de contrapunto; ya que hoy en día un buen guitarrista cambiando la afinación de algunas cuerdas es capaz de tocar las más complicadas fantasías de los vihuelistas españoles. El tratado más antiguo sobre la guitarra española es aquel de Juan Carlos Amat, publicado en Barcelona, (en 1586 y ediciones posteriores). El instrumento prontamente se hizo conocido en Italia. La "Intavolatura di chitarra alla spagnuola" de G. A. Colonna apareció en 1620. En Francia el método de Luiz de Brizeño fue publicado en 1626 (París, Pierre Ballard). Asimismo, numerosos trabajos aparecieron en España, Francia e Italia durante el siglo XVII. A mediados del siglo XVI la guitarra ya empezó a ser popular en estos países (España, Francia e Italia). De hecho, un autor anónimo francés sobre un tratado de como tocar laúdes y gitterns, publicado en 1556, declaró lo siguiente: durante los pasados 12 a 15 años "todos" tocan la guiterne y el laúd está prácticamente fuera de uso.

(Vihuela Siglo XVI)

Acerca de la afinación y forma de las primeras guitarras.  
Las primeras guitarras tenían una caja de resonancia más pequeña y el fondo menos profundo que nuestras guitarras de hoy en día, las escotaduras laterales eran menos pronunciadas, el mástil más largo y angosto, terminando en una cabeza plana con clavijas de madera para cuatro órdenes de cuerdas; un cordón para la chanterelle (1º cuerda) y las 3 últimas en pares – era un instrumento esbelto y elegante. Adrián LeRoy, escribe a mediados del siglo XVI, y confirma que tenían 4 órdenes de cuerdas afinadas en intervalos de una 4^ta, una 3^ra mayor, y una 4^ta. Esta es la afinación que Bermudo se refería como la "nueva" afinación, y que correspondía a aquella de las cuatro cuerdas intermedias del laúd y la vihuela. La "antigua" afinación difería de la nueva solamente en que la última o cuarta cuerda se afinaba un tono más bajo. La nueva y antigua afinación es mencionada por Alonso de Mudarra en sus "Tres libros de música en cifras para vihuela" que datan de 1546. La afinación más común para las guitarras de cuatro órdenes era c⁰ f ⁰ a⁰ d¹ (añadiendo G⁰ y g¹ se tienen los afinaciones modernas del laúd y la vihuela). Praetorius en 1618 nombra la siguiente afinación: f ⁰ b⁰ d¹ g¹. En la época que el quinto orden fue adoptado, el instrumento empezó a conocerse fuera de España como la guitarra española; se estableció rápidamente en Italia ganando popularidad y prontamente se difundió por toda Europa.

(Guitarra Pfanzaldt de cinco órdenes - Roma 1600)

La nueva cuerda era afinada una 4^ta más baja que la cuerda en c⁰, es decir, G⁰. De acuerdo a Trichet, 1640, que todavía usaba el antiguo término de gittern, manifiesta que la guitarra se tocaba bastante en Francia e Italia, pero más aun en España; él comenta que el espesor desde la tapa armónica hasta el fondo era de 3 a 4 dedos, el mástil tenía un espesor de 3 dedos y con 8 trastes, la boca poseía una roseta; también menciona la guitarra de cinco órdenes, todas en pares excepto por la chanterelle, y el hecho que también pudieran construirse guitarras con el fondo bombeado como la guitarra batente y Chitarra Batente Giorgio Sellas. Poco tiempo después, la chanterelle también fue duplicada, y este tipo de encordadura se mantuvo vigente hasta mediados del siglo XVIII, pero la afinación se subió en un tono durante el siglo XVII a A⁰ d⁰ g⁰ b⁰ e¹. Espinel hizo uso de las dos afinaciones, de tono alto y bajo, pero desde la época de Ribayez (en 1677) la afinación de tono más alto prevaleció.

                                        

(Guitarra batente)                                (Chitarra Batente Giorgio Sellas)

En España la guitarra fue un instrumento de la clase media, en contraste con la vihuela que era tocada por la aristocracia. De acuerdo a Praetorius, en Italia era un instrumento en mano de charlatanes y saltimbanchi, pero para fines del siglo XVII, se convirtió en un instrumento de moda, especialmente en Francia, que se dice fue introducida por los actores italianos a París.

(Dos guitarras - Siglo XVII)

Fabricantes como Stradivarius y Tielke no dudaron en construir estos instrumentos, muchas veces excesivamente ornamentados.

(Guitarra Stradivarius de cinco órdenes - 1680)

En el siglo XVIII la guitarra se convirtió en un instrumento para los principiantes, por lo tanto la encordadura se hizo más simple: los cinco pares de cuerdas abrieron curso a las seis cuerdas simples, afinadas E⁰ A⁰ d⁰ g⁰ b⁰ e¹, como hoy en día.

                        

(Guitarra Salomón - París 1760)                   (Guitarra Pagé-Cadix - 1804)

En el siglo XIX las clavijas de madera fueron remplazadas por tornillos metálicos, se amplió la caja de resonancia aumentando las escotaduras laterales, engrosando la caja y se abandonó el uso de rosetas en la boca.

(Guitarra Siglo XIX)

Los tres últimos siglos de gran desarrollo.  
En el siglo XVII Italia fue indiscutiblemente el centro de la guitarra, pero en el siguiente siglo nacerían otros centros guitarrísticos, como Francia, y en especial Alemania. Lo que dio lugar al surgimiento de la guitarra en Alemania, donde la música barroca llegó a un punto culminante con los maestros Bach y Haendel, fue que el uso del laúd se torno impracticable ya que llegó a tener hasta 24 cuerdas y la técnica necesaria demandaba muchos esfuerzos del ejecutante; entonces los músicos se dieron cuenta y se decidieron por tocar la guitarra, que era un instrumento más noble. Esto permitió que la guitarra se expandiera por otros países del este de Europa como Holanda, Bélgica, Polonia, Checoslovaquia, y Rusia. A fines del siglo XVIII y principios del siglo XIX la guitarra española se convirtió en un instrumento en boga en todo el continente europeo.
Sin duda el paso más grande que se dio en el siglo XVIII fue la adición de la sexta cuerda, que como se dijo anteriormente fue Jacob Otto de Jena quien la añadió, pero que probablemente ya era usada en Italia. En el siglo XIX, la guitarra alcanzaría su punto máximo de desarrollo; varios fueron los factores que permitieron el desarrollo de la guitarra. Los cambios sociales a causa de la Revolución Industrial, ayudaron en sobremanera al establecimiento de la guitarra, las mejoras en los medios de transporte como los trenes, permitió el desplazamiento de los concertistas y por consiguiente el divulgamiento de sus obras.
El personaje más importante de esta época es sin duda el español Fernando Sor (1778-1839). Aunque Sor fue un gran compositor escénico, sobresalió por sus composiciones para guitarra. Después de la Guerra Peninsular llevó la guitarra con gran suceso a Inglaterra. Sus composiciones de gran acogida relegaron la guitarra inglesa o citra (Fr. cistre, Al. Zither, It. Cetera). Este instrumento era diferente en forma, una cittern con cuerdas metálicas, de seis órdenes, dos de ellas simples y otras cuatro de pares de alambre metálico afinadas al unísono. La música se escribía tal como sonaba, una octava más baja: c⁰ e⁰ g⁰ c¹ e¹ g¹. La técnica usada para este instrumento era muy simple, únicamente se requerían el índice y el pulgar para herir las cuerdas, o sino un plectro; mientras las dificultades técnicas de la guitarra española, en manos de un concertista serio, competían con aquellas del laúd.
Entre otros exponentes de la escuela del expresionismo están el español Dionisio Aguado, y los Italianos Ferdinando Carulli, Mateo Carcassi y Mauro Giuliani que compuso un concierto para la chitarra terz, un instrumento con un mástil más pequeño, afinado una 3^ra menor más alto. Este concierto publicado por Diabelli en Viana, más tarde sería trascrito al piano forte por Hummel. Giuliani también compuso dúos para guitarra y flauta.

                                 

(Fernando Carulli)                                                (Mauro Giuliani)

Otros compositores de renombre fueron Luigi Legnani, Kreutzer, Nüske, Regondi y el célebre compositor alemán Leonhard Schülz. Berlioz y Paganini eran guitarristas; la influencia de la guitarra en Berlioz se refleja en los espaciamientos de sus acordes. Los cuartetos para guitarra y cuerdas de Paganini muestran que conocía las inmensas posibilidades de color al combinar la guitarra con el violín y viola.

                        

(Regondi)                                                   (Paganini)

En España se dieron a conocer otros guitarristas como Julián Arcas y Napoleón Coste que se vinculó con Aguado, Sor y Carcassi. También aportaron al instrumento guitarristas como Johann Kaspar Mertz, Zani de Ferranti, Matteo Bavilaqua, Wenzeslaus Matiegka, Johann Bayer, Joseph Küffner, Johann Kapeller, etc.

                   

(Julián Arcas - 1832-1882)                         (Zani de Ferranti)

La historia de la guitarra moderna llega a su cumbre con la figura del legendario Francisco Tárrega (nace en Villareal, 1852; muere en Barcelona, 1909), un connotado guitarrista y creador de la escuela moderna de la guitarra. Sus innovaciones no dependieron, como se dice, de tocar con las uñas o con la yema de los dedos, sino en el posicionamiento de las manos y los dedos, y la manera de pulsar las cuerdas. Tiene primordial importancia y Tárrega y sus discípulos dieron particular énfasis en el uso de la mano derecha. La preocupación de Tárrega era la de conseguir un mayor volumen en el sonido de la guitarra, en sus esfuerzos estudio los mecanismos del piano, y trato de comparar la pulsación de los dedos de la mano derecha que vendrían a cumplir en la guitarra la función de los martilletes del piano los cuales producen el sonido.

           

(Francisco Tárrega)                               (Guitarra que tocaba Tárrega)

Anteriormente a Tárrega, los músicos pensaban en la guitarra como un instrumento concebido para acompañamiento, usado por la gente en fusión con sus cantos y serenatas. El error consistía que la guitarra popular era confundida con la guitarra como instrumento musical creado para ser tocado en solos. Las transcripciones de Tárrega de la música de Bach, Beethoven, Mozart, Haydn y compositores españoles como Albéniz y Malats mostraron las grandes posibilidades del instrumento. El mismo Albéniz, escuchando sus composiciones tocadas por Tárrega y transcritas para guitarra, dijo que eran superiores a sus versiones para piano. Las transcripciones de Tárrega que varios guitarristas las ejecutaban en numerosos conciertos, despertaron el interés de otros músicos, incluyendo Falla, Turina, Ponce, Villa-Lobos, Broqua, Castelnuovo-Tedesco y Manén, que probablemente ellos mismos nunca pensaron en componer para la guitarra. Uno de los discípulos de Tárrega fue el afamado guitarrista Miguel Llobet que brindó conciertos en las grandes ciudades de Europa, América del Sur y Estados Unidos; otros discípulos de Tárrega fueron Emilio Pujol y Daniel Fortea.

                 

(Miguel Llobet)                                       (Daniel Fortea)

A pesar de ser la guitarra un instrumento armónico de grandes capacidades tímbricas, tiene un rango bastante limitado comparada con el piano; consecuentemente, obras musicales de una textura polifónica bastante elaborada no pueden ser bien adaptadas en la guitarra. Sin embargo, muchos guitarristas confiesan que en la guitarra la música adquiere otros matices y un espectro casi infinito de sonidos, por lo tanto reconocen alegremente la deuda e inmensa gratitud que ellos y la guitarra le deben a Tárrega, el fundador de la escuela moderna de la guitarra.
Paralelamente a los trabajos de Tárrega por obtener una técnica más sólida en la guitarra, se encuentran los trabajos del luthier Antonio Torres Jurado (1817-1892) que con algunas sugerencias de Julián Arcas, perfeccionó la forma estructural de la guitarra aumentando la caja de resonancia y el ancho del mástil, e hizo entrever la importancia de la tapa armónica en la proyección del sonido, aumentando varetas en forma de abanico como soporte a la tapa armónica. La guitarra moderna que todos conocemos es el legado de este luthier español; es cierto que desde mediados del siglo XIX han existido algunos cambios, pero todos ellos insignificantes. Desde esa época España se ha caracterizado por el arte de fabricar guitarras y se ha convertido en una tradición de familias enteras como las familias Ramírez, Hernández, Arias, etc.

(Guitarra de Torres - 1882)

La guitarra todavía sobrevive en España, donde no sólo está en posesión de mendigos y copleros, sino que es considerada un instrumento muy serio, con una técnica bastante avanzada y grandes posibilidades en la música moderna. Tal vez nos viene a la memoria el legendario Andrés Segovia (nacido en 1890) que llevó a la guitarra a las grandes salas de concierto de todo el mundo, e influenció a que compositores modernos estudien la técnica de la guitarra y compongan para este instrumento, incluso conciertos para guitarra y orquesta como el de Castelnuovo-Tedesco. Un contemporáneo de Segovia fue Agustín Barrios, el más grande compositor e intérprete de guitarra de Sud América; nació en Paraguay y viajó por toda América y Europa. Sus composiciones alcanzan el número de 300 y son consideras por muchos guitarristas de un alto sentimiento musical.

(Agustín Barrios. 1885-1944)

Guitarristas como el español Narciso Yepeso Regino Sainz de la Maza quien fuera el primer guitarrista en tocar el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo en 1940 también sobresalen.

 

(Narciso Yepes)                                   (Joaquín Rodrigo)

Segovia dio paso a otros grandes guitarristas como los ingleses Juliam Bream y John Williams, o el venezolano Alirio Díaz.

(Andrés Segovia. 1893-1987)

(Juliam Bream)

            

(Jhon Williams)

(Alirio Díaz)

En las últimas décadas la técnica desarrollada por el uruguayo Abel Carlevaro ha dado muchas posibilidades al instrumento, han surgido grandes compositores modernos como el cubano Leo Brouwer, y un inmensurable número de intérpretes de todas las nacionalidades, entre los cuales sobresalen: Eduardo Fernández, David Russel, Manuel Barrueco, Eliot Fisk, Christopher Parkening, Kazuhito Yamashita, sólo por mencionar algunos. Al presente la guitarra es probablemente uno de los instrumentos que más se toca en todo el mundo; se dice que sólo en Japón existen más de seis millones de personas que tocan guitarra clásica.                                                                                             

la  clavija

Consejos para cuidar nuestra Guitarra

      Algunos consejos y trucos para el buen mantenimiento tanto físico como
      sonoro de la guitarra...Control de Calidad
Conservación de la Guitarra
  La guitarra, como instrumento delicado que es, ha de cuidarse de manera
  esmerada, y siempre que no se esté tocando, deberá esta guardada en su
  estuche, que será de constitución rígida a fin de resguardarla de los
  eventuales golpes; las fundas de lona no protegen casi nada. 
  La humedad o sequedad extremas son peligrosas, así como el paso rápido de
  humedad a sequedad y viceversa, pueden ocasionar rajas en la madera por muy
  curada que esté.
  Nunca deben colgarse en la pared, ya que éstas suelen captar y transmitir la
  humedad. Si la humedad fuera excesiva podría ablandar las colas, llegando a
  producir despegaduras en el instrumento. La madera es  Higroscópica, o sea que
  adquiere en su interior humedad  o la despide de acuerdo con el ambiente  que
  la rodea.
  Cuando la guitarra deba viajar en avión, en la bodega de equipajes, hay que
  aflojar completamente las cuerdas. Nunca se deben colocar en los maleteros de
  los coches, ya que expuestos al sol  pueden alcanzar temperaturas de hasta
  75ºC y la guitarra sufrir daños irreparables.
  Una raja no tiene importancia si se recurre pronto a un buen reparador de
  instrumentos, y si ésta se produce en la tapa y cerca del puente es
  aconsejable aflojar las cuerdas.
  Nunca debería abandonarse una guitarra encima de muebles o sillas y jamás
  ponerla cerca de un foco que expida calor. Es obvio que hay que evitar los
  golpes y los roces, porque una guitarra vieja si se conserva en estado
  impecable posee gran valor ya que la sonoridad aumenta con el paso del tiempo.
  
  Es conveniente mantener las guitarras afinadas siempre en el mismo tono y, en
  caso de desear  cambiar las cuerdas , no quitar las viejas de una vez, sino
  cambiar una, afinarla con las demás, y así proceder de una en una con las
  restantes; este tiene por objeto que el puente y la tapa no pierdan ni por un
  momento la tensión a que están acostumbrados, lo que produciría una
  disminución en el sonido que tardaría algún tiempo en recuperar.
  Para la limpieza de la guitarra no se usará alcohol, por ser éste disolvente
  de algunos barnices, sino que se empleará cualquier producto de los utilizados
  para la limpieza de muebles o con un trapo ligeramente húmedo en agua. 
Sobre las cuerdas. En las cuerdas  de nylon, las cuartas, quintas y sextas,
entorchadas, pueden perder gran parte de su sonoridad a causa del sudor de las
manos, lo que desmerece mucho el sonido de una buena guitarra; cuando esto
ocurre, se les puede devolver a su primitiva sonoridad aflojándolas
completamente y volviendo de nuevo a tensarlas y si esto no es suficiente, se
les puede lavar con jabón, cuidando de no frotarlas para que no se afloje el
entorchado, y no volviéndolas a colocar en la guitarra hasta que estén bien
secas.
    Cuando las cuerdas cecean al pulsarlas al aire, es debido a que las ranuras
del hueso de la cabeza se han ahondado por desgaste; esto se corrige fácilmente
colocando debajo de esta cejilla una tira de cartulina delgada o papel algo
grueso, que generalmente basta para compensar la pérdida de altura sobre el
primer traste.

      
la clavija